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向日葵

向日葵

《向日葵》（荷兰语：Zonnebloemen）是荷兰画家文森特·梵高在1888年至1889年，绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，广泛认为创作了七幅。其中有一幅在战争中损毁了，另一幅在私人收藏家手中，因此有六幅被保存下来。六幅中有三幅绘有15朵向日葵，两幅绘有12朵向日葵，一幅绘有3朵向日葵。

另外，五幅被收藏于全球5家博物馆中，分别是德国慕尼黑新美术馆、英国国家美术馆、日本兴亚东乡青儿美术馆、荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆、美国费城美术馆。被展览的五幅《向日葵》有盛开的，有半开的，也有枯萎的；三幅背景是黄色，两幅背景是绿松石色。梵高通过该系列作品向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。

该系列作品是展示了梵高的标志性表达风格，这些画是梵高最具标志性和最受欢迎的作品之一。后来的法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。

2022年10月14日，两名来自英国“环保”组织“立刻停止石油”（Just Stop Oil）的抗议者，用番茄汤袭击了收藏于英国国家美术馆的《向日葵》，所幸该幅画作事前被用一层玻璃保护起来。

画作内容

创作背景

创作原因

文森特·梵高在巴黎制作了他的第一个向日葵静物，保罗·高更对此印象深刻。1888 年4月，35 岁的文森特·梵高厌倦了巴黎的都市生活，来到了阿尔勒这座法国南部小城，希望在明亮光线和鲜明色彩中进一步使自己的绘画方法更现代化。1888年8月将近，文森特·梵高在将近一周的时间里绘制了向日葵初稿，初衷是用灵性兼具美感的作品，装点自己在法国阿尔勒的“黄屋”。同时文森特·梵高为了迎接艺术家保罗·高更即将来到“黄屋”，他知道保罗·高喜欢他画的向日葵，便想为工作室做一个只有大向日葵的装饰。梵高曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的或调和的铬酸铅，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式建筑里的彩绘玻璃一样。”

文森特·文森特·梵高曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”

创作经历

文森特·梵高在巴黎制作了他的第一个向日葵静物，保罗·高更对此印象深刻。1888年，文森特·梵高试图在阿尔勒组织一个成志同道合的艺术家新“协会”，即“南方画室”的画家沙龙，向一些画家发了邀请，结果只有保罗·高更答应前往。同年8月，为迎接高更的到来，他画了第一幅《向日葵》。梵高的油画《向日葵》作画时，怀着极狂热的冲动，追逐着猛烈的即兴而作，这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。文森特·梵高计划以向日葵作画来装饰阿尔租住的小屋，并在短短一周内他就画了前四个版本的向日葵。

随后，高更对已挂在小屋的《向日葵》给予了高度评价，并鼓励梵高带来第5幅向日葵。但是不久，两位艺术家因艺术理念上的差异发生了剧烈的冲突，梵高用刀切断了自己的部分左耳时，高更回到了巴黎。其他三幅复制品是在1889年1月绘制的，第6幅《向日葵》也就成了他与高更的友谊祭礼。梵高将其描述为“绝对平等和相同的副本”，这些副本与原始绘画一起，将用作阿尔勒邮递员的妻子鲁林夫人肖像的侧板。

艺术鉴赏

形象塑造

文森特·梵高采用表现主义的风格，放弃现实主义，使用大胆的色彩和大而有力的笔触。在《向日葵》中运用了厚涂颜料的技术，创造了一个更有活力的形象，再现了他所画的向日葵的三维纹理。系列作品中仅利用绚丽夺目的黄色色系与绿色、青色点缀，在明亮而烂漫的底色上构成了迥然各异的气势、色调，配合不羁的线条，将富有张力的花瓣及花燕表现得动人心弦。其中向日葵色彩为金黄，每朵向日葵如燃烧的火焰一般，这些色彩充满了生的欲望。而画作中黄色与绿色、青多形成鲜明对比，也从侧面映衬了文森特·梵高内心的孤独感。

从表现形式来看，色彩和笔触的运用个性化情绪化。花瓣富有张力，线条相当不羁，大胆肆意、坚实有力的笔触在明亮而灿烂的底色上构成不同的色调与气势，把朵朵向日葵表现的是那样动人心弦。整个画面色彩不是为了表现物象的视觉特征，而是为了突出色彩具有的暗示的暗示力量:梵高故意提高物体固有色的明度和纯度、柠檬黄、中黄、橙黄的运用令画面有一种特别灿烂的感觉，除了运用较高纯度的色彩之外，还巧妙地运用了补色来表达情感。

画面上一朵朵葵花夸张变形的姿态、昂扬向上的色彩，始终面朝太阳而生文森特·梵高用大胆泼辣的笔触、奔放不羁的色彩语言。色彩对比不仅将生活现实与内心向往形成了强烈的对比，也在一定程度上反映了梵高绘画作品创作初衷及后期创作主要思想。梵高通过向日葵的各种花姿来表达自我，甚至将自己比拟为向日葵，他用生命旺盛的太阳之花表达自己狂热的内心世界。

画面氛围

英国国家美术馆的《花瓶里的十五朵向日葵》

梵高曾经宣称“向日葵是我的”，明显向日葵对他来说有各种含义。在这幅画中，向日葵发芽到成熟，以及最终的腐烂，遵循了荷兰十七世纪花卉画的vanitas传统，并强调了人类行为的短暂性。画中黄色可以代表文森特·梵高的幸福，它也是普罗旺斯的颜色，也是对普罗旺斯画家蒙蒂切利的致敬，蒙蒂切利“用黄色描绘了 (法国) 南部，全是橙色，全是硫”。梵高也创造了类似的白炽热效果，特别是圆形种子头，它们似乎代表着太阳本身。

美国费城美术馆《花瓶里的十二朵向日葵》

这幅静物画中，梵高选择一个简单的陶罐和一束向日葵，这样就不会影响到这些令人印象深刻的花朵的绚丽色彩。十二朵向日葵在不同阶段，梵高赋予每一朵向日葵独特的个性和表达方式。

德国慕尼黑新美术馆《花瓶里的十二朵向日葵》

文森特·梵高将花瓶、花、地面和背景摆设在大幅的画布上，冰冷的绿松石背景格外强烈地增加了鲜黄和黄棕色花朵的颜色对比，突出了普罗旺斯的夏天的双重意义，并散发出生命的光彩。花朵在这里代表着阳光，被画家理解为生命的象征，同时在梵高多部作品中呈现出来。

作品主治

梵高的一生几乎都被挤迫在命运的边缘，饱尝世态炎凉和接踵而至的创伤，但他反而鞭策着自己在逆境中寻找阳光，更强悍地成长。带着对梵高苦难人生的理解，该系列《向日葵》不再是简单的植物，而是诚挚而热烈绽放着的生命，犹如梵高本人。文森特·梵高通过描绘向日葵，表现自我，画中的向日葵明亮、艳丽，用亮眼的黄色将向日葵旺盛的生命力表现的淋漓尽致。向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。

价值与影响

《花瓶与15朵向日葵》在1987年以3970万美元的价格被卖，并且1990年的艺术品拍卖行中创造了数千万美元的世界最高纪录。

梵高是表现主义的先驱使者，深刻的影响了20世纪的艺术发展，特别是在其死后所发展形成的野兽派和德国表现主义。《向日葵》系列在法国的野兽主义、德国的表现主义，以及20世纪初出现的抽象派，都曾经从梵高的艺术中汲取了营养。他对西方20世纪的绘画艺术产生了深远而又广泛的影响。

文森特·梵高对艺术和生活毫不妥协的态度也启迪了英国现代艺术，促进了英国表现主义现实主义（expressionist realism）运动。弗朗西斯· 培根（Francis Bacon）、马修·史密斯（Matthew Smith）、克里斯托弗·伍（Christopher Wood）和大卫·邦伯格（David Bomberg）等艺术家都深受其启发。值得一提的是，培根一直视梵高为第二次世界大战后画家的希望。虽然战火摧毁了梵高的自画像，但培根通过不断研究他的画作，来改进自己的创作。可以说，培根画风风格逐渐走向生动成熟与文森特·梵高密不可分。

除了《向日葵》对英国艺术家的直接影响外，这幅画还对整个艺术界产生了更广泛的影响。它体现了色彩在艺术中的重要性，并影响了20世纪初出现在法国的野兽主义运动的发展。野兽派的特点是大胆、生动的色彩和简化的形式，而亨利·马蒂斯、安德烈·德兰和莫里斯·德·弗拉明克等艺术家都被梵高对色彩的运用和他富有表现力的笔触所吸引。事实上，据报道，马蒂斯这样评价梵高，“他是我们所有人的父亲。”自由主义运动将继续影响着其他现代艺术运动，如表现主义和抽象表现主义。

重要展览

2014年1月25日至4月27日，在英国伦敦国家美术馆举行合璧展展出印文森特·梵高的两幅《向日葵》系列画作，分别来自荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆和英国伦敦国家美术馆的馆藏，这是两幅画作65年来的首次重逢。

英国国家美术馆的《向日葵》借出展馆三次展出：分别是2002年和2013年的梵高博物馆，以及泰特英国美术馆正在举行的“梵高和英国”展（持续到8月11日）。

荷兰梵高艺术博物馆所保存的《向日葵》，是梵高“向日葵”系列作品中最知名的一幅，自1973年开馆以来曾被外借过6次，最后一次是2014年借给英国国家美术馆。2019年这幅画被发现十分脆弱，馆方决定不再把这幅画外借到其他地方展览。2019年3月27日在英国泰特美术馆举行的《梵高与英国》专题画展，这次画展除了英国伦敦国家美术馆收藏的《向日葵》外，还汇集了梵高著名的《星夜（1888）》《自画像》等作品。

随着数字技术的发展应用，“沉浸式展览”逐渐兴起。一场名为“梵高再现”的展览中，主办方运用虚拟现实技术、声光电等多媒体手段，将《向日葵》、《星夜》等梵高名作变得鲜活生动、触手可及，让观众“沉浸其中”，享受一场跨时空的艺术盛宴。该展览分别于2021年5月亮相纽约曼哈顿，2022年11月亮相厄瓜多尔首都基多等。